Entrevista a Mikha-ez: “lo biográfico aparece una y otra vez como síntoma de nuestra propia búsqueda”

Recientemente el Museo Nacional del Prado ofrecía una exposición titulada “Hoy toca el Prado” dedicada a invidentes, para que estas personas también pudieran experimentar de alguna forma el arte visual más allá de la imaginación. Y es que a veces no somos conscientes de lo que supone el uso de los sentidos en nuestro día a día, en esta cultural visual en la que vivimos.

Son todos esos sentidos los que volcamos en el disfrute de las obras de arte: de una pieza de música, de una escultura… Los mismos sentidos que emplean los artistas en la elaboración de la obra, aunque algunos prescindan de ellos, como ya hizo Beethoven. Y como de sentidos va la cosa, vamos a dejarnos sorprender por la historia de Mikha-ez y la manera en que esta ha influido en sus obras..

Mikha-ez, serie Connections, polimetilmetacrilato y vinilo polimérico pigmentado, 90 y 15 cm, 2014-2015
Mikha-ez, serie Connections, polimetilmetacrilato y vinilo polimérico pigmentado, 90 y 15 cm, 2014-2015
  • PIOGGIA ACIDA: ¿De dónde viene tu relación con el arte?
  • MIKHA-EZ: Todo tiene un comienzo, aunque a veces este no se muestre. Arrancamos siempre de preocupaciones, y lo biográfico aparece una y otra vez como síntoma de nuestra propia búsqueda. Mi relación con el arte tal vez pueda explicarse desde dicho síntoma biográfico entendido como una construcción de mi propia experiencia perceptiva y afectiva en y con el mundo que habito: a la edad de cinco años sufrí una otitis en el oído medio llegando a conservar tan sólo un 35% de audición. Esto derivó en diversas causas, entre ellas un retraso en el habla, así como un cierto grado de dislexia. Este trastorno auditivo hizo que a una edad en la que los niños aprenden el lenguaje hablado por repetición de los sonidos percibidos, yo no pudiera interiorizar ese registro sonoro. En favor de esta dificultad mi mecanismo de aprendizaje comenzó a centrarse y desarrollarse dentro del campo de lo visual como forma de comprensión del mundo que veía. La familiaridad que desarrollé con las imágenes que me servían como medio de comunicación, me derivó -o tal vez no- en cierta medida hacia la práctica artística”.
  • PA: Uno de los motivos por los que he decidido tener un vínculo más directo con el arte actual es por esto. Cada persona puede transmitir historias sorprendentes. Y da igual que sorprendan o no, la mayoría de artistas se forman en cursos y academias, pero todos tienen algo que aportar. Y una vez que los has escuchado nunca vuelves a observar sus obras de la misma forma.
Mikha-ez, serie Vacuum as space. Another perception of the vacuum, medidas variables, vidrio y espejo, 2013
Mikha-ez, serie Vacuum as space. Another perception of the vacuum, medidas variables, vidrio y espejo, 2013
  • PA: Como se puede observar, la mayor parte de tu trabajo son obras triminesionales. ¿En qué momento llegas a este punto?
  • M: La mayoría de mi trabajo son piezas en polimetilmetacrilato y vinilo polimérico pgmentado en las que juego con la acción de la luz como material que construye y reorganiza el espacio. También tengo algunas series fotográficas -según lo requiera el proyecto- como “Ocho puntos de vista de un pétalo de rosa bicolor” que presento el próximo 2 de octubre -junto a la artista valenciana Gloria López Cleires- en la galería madrileña Brita Prinz.

    Empecé trabajando con espumas de poliuretano creando texturas de tacto aterciopelado a través de resinas, barnices y pigmentos en la superficie. Poco a poco el proceso me fue llevando a prescindir de aquellas texturas, para terminar quedándome con las formas geométricas que actuaban de base. “Simplificar” el proceso me dio tiempo para interesarme de forma más profunda por el color y su interacción,  en forma de luz, con el espacio.

    En aquel entonces estudiaba tercero de Bellas Artes en la Universidad de Salamanca. Una tarde en el estudio empecé a interesarme por el reflejo que generaban unas tablas lacadas con spray apoyadas en la pared. Esta curiosidad daría paso a un largo proceso de investigación teórico y experimental, que se materializa hoy en mis últimas series.

Mikha-ez, serie Color light vacuum, polimetilmetacrilato y vinilo polimérico pigmentado, 90 cm diámetro, 2013-2014
Mikha-ez, serie Color light vacuum, polimetilmetacrilato y vinilo polimérico pigmentado, 90 cm diámetro, 2013-2014

El “gran giro” ocurrió de manera fortuita. Me habían invitado a participar en una exposición colectiva en Mónaco dentro de un programa de la UNESCO. Estaba trabajando en una serie de cinco círculos de vidrio a los que iba adherido un vinilo. Un error en el proceso final de construcción de la serie hizo que conociera una empresa de vinilación. Al descubrir aquellos vinilos de colores industriales retomé aquella idea del reflejo del color en forma de luz. Allí se iniciaron mis piezas en polimetilmetacrilato y vinilo polimérico pigmentado.
Podría decirse que he ido prescindiendo de todo aquello que creía innecesario. En ocasiones “menos es más”.

Mikha-ez, serie Ellipses light, polimetilmetacrilato y vinilo polimérico pigmentado, 30 x 10 cm, 2014
Mikha-ez, serie Ellipses light, polimetilmetacrilato y vinilo polimérico pigmentado, 30 x 10 cm, 2014
  • PA: Según tus palabras has ido prescindiendo de todo aquello que creías innecesario. ¿Crees, por tanto, que es necesario equivocarse para avanzar?
    M: Totalmente. Los errores forman parte del proceso de investigación y experimentación.
  • PA: Hablas de luces, reflejos, texturas, colores… El arte como medio de expresión existe desde tiempos ancestrales, lo tenemos como ejemplo en el arte rupestre. Las imágenes te sirvieron en un cierto momento como expresión ¿consideras el arte como medio, como un lenguaje en sí mismo? ¿qué pretendes comunicar con tus obras?
  • M: Justamente lo que el arte tiene de maravilloso es la capacidad de poder experimentar la realidad y convertirla posteriormente en algo extraordinario. Mi obra no es más que eso: inquietudes físicas, fascinaciones o fijaciones por ciertas cuestiones que desde la práctica artística trato de revertir hacia ese proceso extraordinario pero natural que supone el arte. Ángel González García dijo en una de sus últimas entrevistas que “debe haber artistas dispuestos a no hacer otra cosa que entresacar y reavivar las cualidades de la materia”. Y es que es precisamente en lo material, y lo potencialmente inmaterial, donde encuentro una dimensión experiencial que me permite, en un encuentro con lo real, indagar en nuevas posibilidades de lo físico, lo lumínico y lo espacial.

    Construyo artefactos que van ligados inequívocamente a mis experiencias sensoriales y estéticas, pero que finalmente participan de una “verdad más amplia” en tanto que interaccionan con lo real. La luz se ha venido convirtiendo, directa o indirectamente, en una de las claves de mi proceso artístico. La luz “coloreada” que emerge en mi obra se torna en última instancia un fenómeno estético-perceptivo. Sirve de nexo entre la pieza en sí y el espacio que ésta habita. Se acciona como un mecanismo mediador entre ambos elementos.

James Turrell "Roden Crater"
James Turrell “Roden Crater”
  • PA: Por último, elige una obra que creas que te defina. Y por qué.
  • M: James Turrell me parece sin duda un tipo interesante. Hice mi tesina sobre él analizando los diferentes modos en los que el “habitante” participaba de una experiencia perceptiva y afectiva al habitar las diferentes tipologías de sus obras. Diría, casi por reunir varias de estas tipologías en un mismo proyecto, que el Roden Crater de Turrell es una de sus obras más “mágicas”.

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